Erre Punto: la ricerca di una voce, da una cameretta romana al palco di Carl Brave

Non è stata la fretta a portarlo davanti a settemila persone. È stato un percorso fatto di tentativi, errori, studio e una continua ricerca di autenticità. Erre Punto racconta come nasce il suo progetto, il rapporto con Roma, l’evoluzione della sua scrittura e il significato di “Trim”, il disco che trasforma un percorso terapeutico in musica.

Ci sono artisti che iniziano a fare musica perché inseguono un sogno preciso. Altri, invece, se ne accorgono solo dopo anni, guardandosi indietro. Per Erre Punto non esiste un momento esatto in cui tutto è cominciato. Non c’è stata un’illuminazione, una data da segnare sul calendario o un concerto capace di cambiargli la vita nel giro di una sera. La musica, racconta, si è semplicemente presa il suo spazio, giorno dopo giorno, fino a diventare qualcosa da cui non riusciva più a separarsi.

Questa naturalezza è probabilmente il tratto che oggi colpisce di più. La stessa con cui, ha aperto il concerto di Carl Brave davanti a migliaia di persone. Un palco importante, quello del cantautore romano che più di ogni altro ha influenzato il suo modo di raccontare Roma. Eppure, nelle sue parole, quell’esibizione non viene descritta come un punto d’arrivo, ma come la conferma di essere finalmente nel posto giusto.

Dietro quella tranquillità, però, c’è una storia fatta di anni passati, registrazioni tra studio e meme vocali in cameretta, di sperimentazioni continue, di blocchi creativi, di corsi di canto iniziati dopo una sonora bocciatura e di una ricerca quasi ossessiva di una voce personale. Una storia che, inevitabilmente, parte da una semplice lettera.

Più di un nome: perché “Erre Punto”

Prima ancora della musica, c’è un’identità.
Per molti artisti il nome d’arte è un’etichetta; per Erre Punto è quasi una dichiarazione d’intenti. La “R” racchiude tutto ciò che lo definisce: Riccardo, il suo nome; Roma, la città in cui è cresciuto; il rosso, il suo colore preferito; e il rap, il linguaggio musicale da cui tutto ha preso forma.

«Mi chiamo Riccardo, sono di Roma, il mio colore preferito è rosso e vengo dal rap. C’è questa R che accomuna tutto», racconta.

La scelta di chiamarsi semplicemente “Erre” nasce proprio dalla volontà di alleggerire quell’eccesso di autoreferenzialità. Non eliminare se stesso, ma trasformarlo in qualcosa di più ampio, capace di contenere tutto il suo immaginario. La lettera rimane, ma smette di indicare soltanto una persona: diventa un simbolo che tiene insieme la città, le influenze e il percorso artistico. È un dettaglio apparentemente piccolo, ma racconta già molto del suo modo di costruire un progetto, partendo dalla propria storia senza chiudersi dentro di essa.

Una cameretta, un microfono da nove euro e tanta ostinazione

La storia musicale di Erre Punto non nasce in uno studio professionale. Nasce durante un’ora di matematica.

«Ero in terza media. Il primo pezzo si chiamava Vita de Strada. L’ho scritto con il mio compagno di banco.» Da quel momento tutto prende una piega estremamente spontanea. Nessun corso prestigioso, nessuna scuola di musica alle spalle. Solo tanta curiosità e la voglia di fare.

«Registravamo in cameretta con microfoni da nove euro. Facevo venire chiunque a registrare.»

È il classico laboratorio adolescenziale in cui ogni limite economico diventa un’occasione per inventarsi qualcosa. Le attrezzature sono improvvisate, le conoscenze tecniche quasi inesistenti, ma l’entusiasmo compensa tutto. La sua formazione, infatti, è quasi completamente autodidatta.
«Ascoltavo tantissima musica. A un certo punto ho avuto anche una parentesi da producer e questo mi ha aiutato a capire meglio le dinamiche di una canzone.»
L’unico insegnamento scolastico che ricorda con particolare affetto arriva dalla professoressa di musica, quella che insegnava flauto.

«Ci spiegò cos’era una quartina e ci fece scrivere una canzone per un progetto scolastico. Sono piccole cose, ma iniziai a capire cos’era una forma canzone.»

Da lì in poi il percorso continua attraverso esperienze sempre diverse. Arrivano le prime pubblicazioni, il confronto con un’etichetta discografica e soprattutto la nascita del gruppo di lavoro che ancora oggi rappresenta il cuore del progetto.
«Si è creato il mio team di studio. Ognuno mi insegnava qualcosa: chi una cosa, chi un’altra. R Punto sono io, ma in realtà è un progetto costruito insieme a tante persone.»
Un concetto che tornerà più volte nel corso della conversazione: dietro il nome Erre Punto non esiste soltanto un cantante, ma una squadra che cresce insieme.

La lezione del Teatro Sistina

Nel suo percorso esiste un episodio che racconta meglio di qualsiasi altro il rapporto che ha con gli ostacoli. Succede dopo l’uscita dei primi lavori.

La canzone Vecchia Roma, dedicata alla nonna, inizia a ottenere un’importante attenzione. Arriva così la chiamata per cantarla al Teatro Sistina durante uno spettacolo.

Potrebbe essere il coronamento di anni di lavoro. Invece diventa una delle delusioni più grandi. «Vado a fare le prove e canto completamente di gola. Stono tutto.»
Molti avrebbero vissuto quel momento come una bocciatura definitiva, lui invece no, inizia un corso di canto che cambia radicalmente il suo approccio.

«Lì ho iniziato realmente a capire qualcosa di canto, di songwriting e di tante altre cose. Il mio insegnante aveva una visione molto ampia e abbiamo iniziato a lavorare sul progetto a trecentosessanta gradi.»

L’episodio del Sistina, oggi, non viene raccontato come un fallimento, ma come il momento in cui smette di essere semplicemente un ragazzo che scrive canzoni e comincia a ragionare davvero da artista.

Quando la musica smette di essere un hobby

Alla domanda su quando abbia capito di voler fare musica per tutta la vita, Erre Punto non cita un concerto, non parla di numeri.
La sua risposta assomiglia molto di più alla descrizione di una relazione sentimentale.

«È stato un po’ step by step. Oggi lo voglio fare. Domani pure. Dopodomani ancora.»

La differenza, spiega, arriva quando comincia a immaginare un futuro insieme alla musica.
«Quando inizi a pensare: allora domani farò questo, dopodomani quest’altro… è lì che diventa una relazione d’amore.» È una definizione che racconta bene anche il suo modo di vivere il lavoro artistico: niente colpi di fulmine, ma una scelta quotidiana.
Anche quando attraversa un periodo in cui si dedica soprattutto alla produzione e all’attività da DJ, quella relazione non si interrompe mai davvero. «Non è che avevo smesso. Avevo semplicemente cambiato linguaggio.»

Per poi tornare alla scrittura, quella che ancora oggi considera la dimensione in cui riesce a raccontarsi meglio.

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**Da Canesecco a Polaroid: il momento in cui Roma cambia prospettiva**

Se oggi il nome di Erre Punto viene spesso accostato a quel filone di cantautorato urbano romano che negli ultimi anni ha trovato una nuova voce, lui ci tiene a ricordare che il suo punto di partenza era molto diverso.

Le prime influenze arrivano infatti dall’underground più ruvido della Capitale. «Da ragazzino ascoltavo Cane Secco, Er Gitano, Bleffa… vengo proprio dal rap», racconta. Una scena fatta di barre crude, linguaggio diretto e attitudine di strada, che gli insegna prima di tutto un modo di stare dentro la musica.

Ma è con un altro disco che qualcosa cambia definitivamente.

«Una pietra miliare è stato Polaroid.»

L’album di Carl Brave e Franco126 non gli fa semplicemente scoprire nuovi suoni: gli mostra una possibilità narrativa diversa. Se fino a quel momento il rap romano gli aveva trasmesso soprattutto un immaginario duro e diretto, Polaroid gli fa capire che Roma può essere raccontata anche attraverso dettagli, fotografie quotidiane e immagini sospese. «Prima era tutto più grezzo. Pensavo: “Anvedi che forti, che cattivi“. Però non avrei mai fatto una cosa del genere. Quando ho ascoltato Polaroid ho iniziato ad apprezzare la scrittura per immagini, la musicalità del sassofono e ho iniziato a vivere i quartieri di Roma in maniera diversa.»

Non è stato per lui solo un cambiamento musicale ma anche un cambiamento di prospettiva e di sguardo. Per lui Trastevere, le periferie, le strade percorse ogni giorno smettono di essere semplicemente luoghi e diventano scenografie emotive. La città entra nelle canzoni non come sfondo, ma come parte integrante del racconto.

«Polaroid ha cambiato il mio modo di fare musica e mi ha fatto pensare che il mio atteggiamento poteva avere un futuro.» È una precisazione importante, perché subito dopo aggiunge un concetto che ritorna spesso parlando del suo lavoro: l’influenza non significa imitazione.

«L’abbiamo usato tanto come reference, ma con tantissima attenzione a non copiare mai.» È una differenza sostanziale. Per Erre Punto i riferimenti servono ad aprire possibilità, non a riprodurre formule.

La lunga ricerca prima di trovare la propria voce

Quando oggi si ascolta Punto de ritrovo, si ha l’impressione di un progetto molto coerente. In realtà quella coerenza arriva dopo anni di tentativi.

«Prima di Punto de ritrovo è stato un periodo di massima sperimentazione.»

È lui stesso a definirlo così. Ripensandoci, quasi sorride davanti alla quantità di direzioni prese.
«Sono partito dal rap più di strada, poi da quello più autocelebrativo, dopo ancora da una scrittura molto autoriflessiva.»
Ogni fase della sua produzione artistica sembra rappresentare un’identità diversa.

Nel frattempo cambia anche il contesto attorno a lui. Incontra i ragazzi con cui inizia a lavorare stabilmente, il progetto assume sempre più la forma di un collettivo e arriva la prima firma con un’etichetta, così la sperimentazione diventa ancora più radicale.

«Abbiamo fatto di tutto. Reggaeton, salsa trap, trap, hit da club, chitarra spagnola, cassa dritta… davvero qualsiasi cosa.»

È un periodo in cui, racconta, passa intere giornate in studio insieme al producer Midas, imparando a conoscere strumenti, arrangiamenti e modi completamente diversi di costruire una canzone. Guardando indietro, però, quella fase rappresenta soprattutto una domanda. «Mi sono chiesto: dove sto andando?» La risposta arriva con la scrittura in romano, una scelta che cambia tutto, non soltanto il linguaggio, ma il modo di raccontarsi. «La mia etichetta mi disse: “Non so nemmeno se te lo pubblico, però tu sei un ragazzo che vuole crescere”. Da lì è cambiato completamente il mio stile.»

È così che nasce Punto de ritrovo, più che un disco, per il cantautore rappresenta una presa di posizione poiché per la prima volta Erre Punto smette di rincorrere generi e tendenze e decide di costruire un immaginario riconoscibile. «Da subito ho sempre voluto che le canzoni arrivassero alle persone. Ma con Punto de ritrovo ho trovato qualcosa che continua a evolversi. Da lì ho iniziato a vedere tutto come un filo rosso che va avanti.»

Dall’urgenza di pubblicare alla ricerca della qualità

C’è un altro aspetto che racconta bene la maturazione artistica di Erre Punto: il rapporto con il tempo.
Negli anni in cui iniziava, la sensazione era quella condivisa da molti artisti emergenti: pubblicare continuamente per non sparire. «Prima ero nell’ottica del “se non esce un singolo al mese non arriverò mai da nessuna parte.»
Una pressione che oggi guarda con molta più lucidità. Anche il famoso racconto del disco registrato dentro un armadio, con plaid e cuscini usati per migliorare l’acustica, viene spesso interpretato come simbolo degli inizi. In realtà precisa che quella soluzione nasce durante il periodo del Covid, quando gli spostamenti erano impossibili e lo studio di registrazione non era raggiungibile.

«Erano anni che lavoravamo già in studio. L’armadio è stata semplicemente una soluzione a quel momento.»

La vera differenza, oggi, riguarda il significato stesso della parola “urgenza”. «Non mi piace nemmeno quel termine» dice. Per lui l’urgenza rischia di trasformarsi in ansia produttiva. Preferisce parlare di ispirazione.
«Ho iniziato a ragionare per blocchi ispirazionali. Quando arriva qualcosa che vale davvero la pena, allora la pubblico fatta bene.»

È una filosofia che va in controtendenza rispetto alla velocità richiesta oggi dall’industria musicale. Nel telefono conserva ancora dodici provini registrati con le memo vocali.
«Sono lì. Aspettano il momento giusto.»

Perché, come lascia intendere durante tutta l’intervista, la crescita di un artista coincide con la capacità di riconoscere quando una canzone è davvero pronta a raccontare qualcosa.

Trim, la terapia e il ritorno alla condivisione: il viaggio più personale di Riccardo

La nascita di “Trim” arriva da un momento di vuoto. Non da un’ispirazione improvvisa, ma dalla necessità di ritrovare un linguaggio dopo un periodo di blocco creativo. ERRE PUNTO racconta di essere passato da una fase in cui scrivere sembrava impossibile, dopo essersi già rialzato da un primo stop, a un momento in cui la musica è tornata ad avere un significato diverso: non più qualcosa da costruire per forza, ma uno spazio in cui lasciarsi attraversare dalle emozioni.

Il punto di svolta arriva con “Artigli”, il brano che chiude il disco e che inizialmente era nato per un altro artista. Pensata per un’artista mainstream della scena indie rap romana, la canzone non viene pubblicata, ma proprio quel passaggio diventa fondamentale per Riccardo. Scrivere senza l’ansia del risultato, senza il peso della pubblicazione e delle aspettative, gli permette di tornare al motivo più semplice per cui aveva iniziato: raccontare qualcosa di vero.

“Ho scritto per godermi le emozioni”, racconta. Ed è forse proprio questa la chiave di “Trim”: un disco nato quando la musica ha smesso di essere una prova da superare ed è tornata a essere un luogo sicuro. In questo percorso ha avuto un ruolo centrale anche la terapia, iniziata tre anni prima. L’album diventa quasi una fotografia di un percorso interiore durato un anno e mezzo, una sequenza temporale delle consapevolezze emerse durante quel viaggio personale. Ogni brano rappresenta un passaggio, una presa di coscienza, un pezzo di strada.

“Sugo e catene” diventa l’elaborazione della depressione, mentre altri episodi raccontano la riconquista dell’autonomia, come il primo viaggio fatto da solo a Tenerife, trasformato nella metafora del surf e delle prime onde affrontate senza sapere ancora come dominarle. Dentro ci sono anche la fine di una relazione durata tre anni e tutte quelle fratture che, invece di essere nascoste, diventano materiale creativo.

Per l’autore la musica non è quindi un modo per costruire un personaggio, ma un modo per incontrare se stesso. Ed è proprio da questa consapevolezza che nasce anche il suo approccio al palco.

Quando parla ai giovani che si avvicinano per la prima volta alla musica, infatti, mette in guardia soprattutto da un rischio: quello di trasformarla in una performance continua. “Fare musica è come fare l’amore”, spiega: quando diventa soltanto una dimostrazione, perde qualcosa della sua autenticità. La sfida è riuscire a conservare quello stupore iniziale, quella sensazione quasi infantile per cui creare significa entrare in un’altra dimensione, lontana dalle ansie quotidiane.

È lo stesso spirito che porta sul palco dell’apertura del concerto di Carl Brave. Una serata che per Erre Punto rappresenta molto più di un semplice live davanti a un pubblico numeroso: è il momento in cui un percorso iniziato tra piccoli locali e sogni coltivati per anni trova finalmente un punto di incontro con migliaia di persone. “Dopo 17 anni di sogni, di localetti, avevo davanti 7mila persone e l’occasione di far vedere il mio progetto”. La sensazione, però, non è quella di trovarsi davanti a qualcosa di distante o intimidatorio. Al contrario: è come giocare in casa. Non solo perché si parla di Roma, ma perché c’è una continuità artistica con il mondo di Carl Brave, fatto di immagini quotidiane, linguaggio figurativo, ironia e spontaneità.

Sul palco questa affinità emerge naturalmente. I ritornelli vengono ripresi dal pubblico già al secondo giro, le persone riconoscono le parole, entrano dentro le storie. Riccardo si accorge di vedere davanti a sé emozioni diverse: la malinconia, la felicità, la partecipazione. Non sta semplicemente presentando delle canzoni, sta creando un momento condiviso.
Anche il freestyle improvvisato nasce da quella stessa libertà. Non era qualcosa di programmato, non lo aveva mai inserito nei suoi concerti prima di quella sera, ma in quel contesto arriva spontaneamente. Perché il palco, quando smette di essere un luogo dove dimostrare qualcosa, può tornare a essere uno spazio di gioco e relazione.

Anche il backstage conferma questa sensazione. Dopo il concerto, tra una battuta, una bevuta e una chiacchierata con la band e il team, il confronto con Carl Brave porta Erre Punto a riflettere ancora una volta sul significato del fare musica. Uno dei temi centrali è proprio la libertà del set acustico: suonare senza una struttura rigida, senza il vincolo del click in cuffia o delle sequenze preparate, lasciando spazio alla naturalezza dello spettacolo.

Alla fine, il filo che lega “Trim” e quel palco davanti a migliaia di persone è lo stesso: la ricerca di autenticità. L’artista non sembra interessato a costruire una semplice esibizione, ma a creare un punto d’incontro. La musica, per lui, non è una performance da mostrare, ma un linguaggio da condividere. Ed è forse proprio questo il senso del suo percorso: passare dal ritrovare se stesso attraverso le canzoni al ritrovarsi insieme agli altri, sotto lo stesso palco, dentro la stessa storia.